México Nadexico. Con el corazón japonés - Exposición de la artista YURO@Espacio Japón

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Texto y fotos: @mario_mxjp.


Al ingresar al área de exposiciónes de Espacio Japón, el texto que explica el contenido de la exposición México Nadexico (めきしこ・なでしこ) expresa lo siguiente:

«En el arte mexicano co-existen numerosos colores vívidos a los que los extranjeros no están acostumbrados. Mi intención es pintar las cosas mexicanas conservando el sentido propio de los colores tradicionales de mi país natal, Japón.

En Japón, la flor clavelina nadeshiko (que se puede transliterar también como nadexico para hacer un juego de palabras) significa 'tan bonita que quieren acariciarla'. En las artesanías mexicanas delicadas, me gustaría que el México Nadexico florezca nuevamente»

En efecto, los motivos que pinta la artista YURO son inmediatamente reconocibles como mexicanos por el espectador, pero con colores distintivamente japoneses o inspirados en artesanías propias de su país natal. Su obra, saturada de sincretismo es, al mismo tiempo, sumamente sutil. Y tanto la técnica como el acabado son simplemente impecables, como tratamos de mostrarlo en la siguiente galería, en la cual nos enfocamos en los detalles esperando asi inspirarlos a visitar esta exposición y contemplar los bellos cuadros de YURO en su forma completa.

Mexico Nadexico permanecerá hasta el 12 de Septiembre en Espacio Japón (Lamartine 238, 1er piso. Col. Chapultepec Morales; Lunes a Viernes de 9:15-13:15 y 15:00-18:15 hrs.) ENTRADA LIBRE

Sobre la artista

Nació en 1980 en Tokio, Japón. Desde niña ha aprendido la pintura japonesa (Nihonga). Se desempeñó como creadora, redactora y encargada del departamento de planeación de la agencia de publicidad Dentsu. INC. en la ciudad de Tokio durante siete años, obteniendo premios en varios concursos. Radica desde 2009 en la Ciudad de México, donde realizó estudios de Posgrado en la Maestría de Artes y Diseño de la Academia de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México. Después de titularse en 2012, sigue estudiando en el Doctorado en la misma facultad e investiga los colores de México, Japón y la historia del intercambio artístico entre ambos países. En la Ciudad de México ha presentado también exposiciónes de forma colectiva e individual.

Japón, invitado de honor en el 42º Festival Internacional Cervantino

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Texto y fotos: @mario_mxjp. 

El pasado 14 de julio se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes la presentación oficial del programa del 42º Festival Internacional Cervantino, cuyo país invitado para esta edición es, ni más ni menos, que Japón. Como cada año, durante 19 días, la histórica ciudad de Guanajuato será sede durante el mes de octubre de uno de los festivales culturales más reconocidos a nivel mundial.

Música, danza, teatro, cine y más

Como país invitado, Japón estará desplegando una gran variedad de propuestas que van desde lo más tradicional, representado por la histórica compañía de teatro de marionetas Hachioji Kuruma Ningyo (八王子車人形) dirigida por Koryu Nishikawa V, hasta lo más contemporáneo vía la compañía de teatro chelfitsch de Toshiki Okada, cuyas obras se caracterizan por el ingenioso uso del desarticulado lenguaje coloquial de la juventud nipona.

En lo que respecta a la danza, la fascinante y siempre interesante danza butoh será una constante, siendo los encargados de presentarla al público nacional el coreógrafo y bailarín Kumotaro Mukai (向 雲太郎), quien presenta un conjunto de escenas dancísticas donde el humor y la ironía buscan exorcizar el terror y la fascinación ante la diferente. En la misma disciplina, éste FIC marca también el regreso a México luego de nueve años de la Akira Kasai Dance Company, la cual presenta esta ocasión la obra Hayasasurahime, una propuesta basada en la leyenda de una diosa que recoge las impurezas, la vergüenza y los vicios del mundo, ambientada con la Novena Sinfonía de Beethoven como fondo.

Un espectaculo que se cuece aparte es el que ofrecerá el combo compuesto por el estudio Rhizomatiks x Elevenplay quienes harán uso extensivo de la tecnología del projection mapping para ofrecer una experiencia visual y coreográfica única. (Para la trivia: Daito Manabe, fundador de Rhizomatiks, es considerado un artista y paldín en el uso de los recursos electrónicos interactivos visuales, mientras que Mikiko, directora de Elevenplay, es mejor conocida como la coreógrafa del aclamado grupo de tecno-pop japonés Perfume. Estas últimas deslumbraron a la audiencia del Festival Internacional de Publicidad Cannes Lions 2013, con un espectáculo de luces supervisado por el mismo Manabe)


En el terreno musical, las propuestas son aún más variadas, comenzando por los tradicionales tambores japoneses (taiko) de la Tokyo Dageki Dan (東京打撃団), compañía que ya ha visitado México en un par de ocasiones y que esta vez tiene el gran privilegio de abrir el Festival, mientras que la música contemporánea estará bien representada por el ensamble next mushroom promotion y el ENSEMBLE NOMAD.

  Reconocido a nivel mundial como una fuente inagotable de artistas que incursionan en el terreno de la música clásica, estarán también presentes el Bach Collegium Japan, una de las principales referencias de la música barroca en su país. Por su parte, la clavecinista Takae Ohnishi interpretará obras de Couperin, Takemitsu, Forqueray y Asaoka, mientras que las prodigiosas hermanas Mari Kodama (児玉麻里) y Momo Kodama (児玉桃) alternaran sus actuaciones como solistas con la música de cámara y los recitales para dos pianos. Finalmente, uno de los platos fuertes del Festival es sin duda la presentación del virtuoso violinista Ryu Goto (五嶋龍) quien estará acompañado por la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato.

Complementan las actividades el taller de origami impartido por Vladimir Avatin en el marco de FIC Niños, una ceremonia del té ofrecida por el maestro Soho Higurashi del Chado Urasenke Tenkokai México A.C. acompañado del formidable sonido tradicional del grupo Kasou Kai y un Ciclo de Cine que incluye cintas de Kaneto Shindo, Mikio Naruse, Takeshi Kitano y Yasujiro Ozu, mientras que los fotógrafos Miho Hagino y Taro Zorrilla de Fundación Paisaje Social presentan una muestra bajo el título Un país en las memorias. Proyecto Japón.

Guanajuato, la capital cultural de México. 

Por supuesto, la presencia de Japón en la 42a edición del Cervantino se inserta dentro de un vasto programa cultural que cada año busca rebasar la excelencia de ediciones anteriores.

Como mencionó Jorge Volpi, Director General del Festival, dos ejes regirán las principales actividades de esta edición: Shakespeare 450, el cual consiste en un homenaje al célebre dramaturgo inglés a 450 años de su nacimiento, y Frontera(s), refiriéndose a los cuarenta países que este año se dan cita en Guanajuato para mostrar lo mejor de su arte y cultura fuera de los limites y barreras que la humanidad ha establecido.

Por su parte, el estado de Nuevo León será el privilegiado de representar a nuestro país mediante una cartelera que reúne a lo mejor que nos ha dado este estado como el grupo de rock El Gran Silencio, la Compañía Titular de Danza Folclórica de la UANL o el traslado del las actividades propias del festival de expresiones urbanas Callenegra a Guanajuato, el cual incluye propuestas que van desde el break dance y el "tornamesismo" a la proyección de documentales, conciertos de punk y exposiciones de grafitti.

Finalmente, el Proyecto Ruelas, sobre el cual los organizadores guardan grandes expectativas, pues busca acercar a las comunidades marginadas o afectadas por la desigualdad y la violencia de Guanajuato al arte y la cultura mediante la puesta en escena de obras de William Shakespeare organizadas dentro de esas mismas comunidades.

Celebrando 400 años de intercambio

Representando al país invitado de honor estuvo el embajador de Japón en México, el Sr. Suichiro Megata, quien recalcó la importancia del intercambio cultural en el momento justo en que se celebran los 400 años del paso de la Misión Hasekura por nuestro territorio. Haciendo un recuento de las múltiples ocasiones en que México y Japón han establecido vínculos, le recordó a los asistentes la histórica amistad entre ambas naciones, la cual en años recientes ha dado como fruto un intenso intercambio económico.


En efecto, el incremento de la inversión japonesa en el ramo automotriz ya ha comenzado a tener efectos visibles en la zona del Bajío, particularmente en el estado de Guanajuato, lo cual sin duda fue otro factor de gran peso para la elección de Japón como país invitado: "Suelo decir que el sueño de Hasekura se realizó cuatro siglos después, como podemos verlo hoy a través de los vínculos comerciales, culturales y de amistad tan sólidos con los que contamos y que nos permite estar en condiciones de realizar una jornada cultural de esta envergadura a la altura de uno de los festivales culturales más importantes del mundo como lo es el Cervantino", señaló el diplomático. "La participación de Japón en el Festival marca el gran final del año de intercambio con el que conmemoramos el 400 aniversario del envío de la Misión Hasekura a México y, así mismo, será el inicio de la oportunidad para abrir la nueva frontera para el fortalecimiento del intercambio y la cooperación hacia los próximos 400 años".

Entrevista con Taku Furukawa - Cinco décadas dedicadas a la animación

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Texto y fotos: @mario_mxjp.
Traducción: Tadayuki Goshozono.
Revisión: Emiliano Isamu.
 
En el marco del ciclo Anime: Animación japonesa de la posguerra, que abarrotó las salas de la Cineteca Nacional entre el 17 de julio y el 3 de agosto, el veterano director japonés Taku Furukawa (古川タク) fue el invitado de honor para compartir con el público su punto de vista acerca de la evolución de la animación japonesa. Justo antes de impartir su interesante charla, tuve la oportunidad de encontrarme con el septuagenario realizador en una de las cafeterías del recinto para entrevistarle acerca de los detalles de su trayectoria, entrevista que ahora compartimos con ustedes.

Escuché que usted estudió una carrera en idiomas, específicamente en español, durante la universidad. ¿Cómo fue que comenzó a interesarse por la animación? 
En la época de la preparatoria me gustaba mucho la música hispana y me comenzó a interesar mucho su cultura. En la universidad estudié el español para complementarlo con mi afición por la música, pero al mismo tiempo, desde que era pequeño me gustaba mucho el manga. Durante la universidad me dedicaba a estudiar el idioma y a mis actividades musicales pero, al finalizar la universidad, mientras todos estaban buscando empleo, yo me decidí por lo que me gustaba, que era la animación.

¿Cuál diría que fue su primera gran influencia cuando comenzó a interesarse por el manga y la animación?
Más que nada fueron los mangas de Osamu Tezuka que leí cuando era niño. También las películas animadas de Disney tuvieron una gran influencia en mí.

Durante el arranque del programa de cortometrajes usted mencionó que Yoji Kuri (久里 洋二) fue su maestro, ¿cuál fue su influencia en su trabajo? 
Su influencia más fuerte fue cuando vi una obra suya llamada Zoológico Humano (人間動物園, 1962) la cual es una animación de apenas algunos minutos y de dibujos muy sencillos, pero la idea subyacente y su profundidad me hicieron pensar mucho sobre que el anime no es sólo de animaciones largas, sino también de cortometrajes.

Zoológico Humano (人間動物園; Yoji Kuri, 1962)
Escuché también que por un tiempo estuvo trabajando para la serie Tetsujin 28, una animación de grandes estudios. ¿Por qué se decidió por la animación experimental? 
Tetsujin 28 fue una de las primeras animaciones para las que trabajé y más que nada lo hice para obtener experiencia, pues durante ese tiempo todavía estudiaba en la universidad. Me divertí mucho haciéndolo y aprendí mucho sobre la técnica y la estética de la animación. Pero después me di cuenta que lo que quería era involucrarme en todo el proceso y ser el creador de mis propias obras. Un día mientras trabajaba, el escritor del manga original, Misuteru Yokoyama vino al estudio. Al verlo pensé “creo que es mucho mejor ser el autor original que trabajar como otro animador más” (risas)

¿Cómo era el ambiente para hacer animación a mediados de los años sesenta?
En cada época hay un ambiente diferente y dentro de cada ambiente yo estuve en diferentes etapas de mi vida. A mediados de los años sesenta yo aún estaba en mis veinte y tenia una mentalidad de intentar cosas nuevas; fue una época experimental para mí, la cual era la corriente propia de la época. En aquellos años el cortometraje animado estaba comenzando a mostrarse internacionalmente. En Francia estaba el Festival de Annesy. Dos veces al año se reunían en Francia los principales realizadores que eran como dioses para nosotrosy teníamos la oportunidad de encontrarnos con ellos y presentarles nuestros proyectos. Fue una muy buena época.

Entonces usted, que ha atestiguado esos inicios hasta la actualidad, ¿cuál ha sido el cambio más importante en el terreno de la animación experimental?
Al comienzo la animación se hacía directamente en el rollo de película. Los realizadores se basaron en la manera en que se hacia un filme normal para empezar a idear una técnica de animación. Pero desde aproximadamente hace 15 años hasta la actualidad comenzó a fomentarse el uso de la computadora. De repente creció el número de oportunidades para quien quisiera dedicarse a la animación. No sólo eso, también impulsó nuevas formas de hacer animación. Por ejemplo, en otros años no se imaginarían utilizar algún tipo de escena que ahora se puede hacer a través de la computadora.
Prof. Toshihiro Jinnouchi (izq) y Dir. Taku Furukawa, durante la charla ofrecida en la Cineteca Nacional

Lo interesante es que sobrepasó las posibilidades tradicionales; al desaparecer el marco teórico, el mundo de la animación se vuelve cada ves más libre de expresión. La animación ya no abarca solamente el terreno de las películas, sino también otras áreas como videos musicales o videojuegos. Entonces, el mayor cambio es que la animación ha expandido sus raíces a otros terrenos. Otro cambio importante es que anteriormente hacer animación requería de muchas personas. Hoy en día incluso una persona puede realizar un largometraje de animación. Cada vez hay menos limitantes.

Cuando vemos un cortometraje terminado, éste dura 4, 5 minutos pero, ¿cuánto tiempo toma realmente en conseguir una idea para un cortometraje y cuánto tiempo toma desarrollarlo?
Existen muchos tipos de cortometrajes que van desde los 15 segundos hasta 10 minutos. Mi método es muy variado. A veces estoy calculando cuánto tiempo podría durar la animación, pero otras veces las ideas llegan solas y la inspiración es la que va midiendo la duración del cortometraje: comienzo dibujando a mi personaje principal y éste comienza a moverse solo; si ese personaje quiere seguir moviéndose, la duración se alarga.

Últimamente he intentado dibujar de una manera muy libre, sin pensar tanto en los tiempos, ni en el contenido; es una manera poco usual de hacer animación, quizás un tanto arcaica, pero me gusta mucho, pues es una manera de mantener la originalidad. Anteriormente era imposible hacer esto pues se tenía que pensar en los costos  para posteriormente iniciar con la filmación. Actualmente solamente se necesita disponer de una computadora.

Jyoukyou Monogatari  (上京物語; Taku Furukawa, 1999)
Ocurrente puesta al día del clásico de Ozu.

Tuvimos la oportunidad de ver cortometrajes suyos como Speed, Tarzan y Joukyou Monogatari y no pudimos dejar de notar cierta crítica hacia los efectos de la modernidad en la sociedad japonesa, ¿cuál diría que es el mensaje principal de sus cortometrajes? 
En sí, estoy representando la sociedad en la que vivo. Más que una critica, es un reflejo de la realidad, como si fuera un diario, sólo que en lugar de apuntar el año, el mes y el día, represento cómo estoy viviendo esa realidad.

También notamos que tienen mucho humor, ¿qué tan importante es provocar risas en el espectador y el humor dentro de su obra? 
No me gusta mucho la seriedad y realmente mi propia vida no es tan seria. No me gusta representar de forma tan seria las cosas. Intento hacerlo de una manera muy simple y entendible para el público. Como un mangaka.

¿En que tipos de trabajos se involucra TAKUNBOX, su casa productora?
En el pasado, cuando era más joven, solía contratar o tener más gente trabajando en proyectos; ahora trabajo de manera independiente y mis trabajos actuales se enfocan más en la ilustración y algunos trabajos para comerciales de TV. Todo lo que pueda hacer yo solo y que implique mi estilo, lo acepto, pero solamente hago las cosas que a mí me gustan.

Speed (スピード; Taku Furukawa, 1980) Por este corto,
Furukawa recibió el Premio Ōfuji Noburō
Después de 50 años, ¿qué es lo que más le sigue gustando de hacer animación?
Cuando los jóvenes me hacen esa pregunta suelo explicarlo de la siguiente forma: existe una golosina en Japón llamada Kappa Ebisen cuyo eslogan es "Yamerarenai, Tomaranai" ("no puedo dejarlo, no puedo parar"): Si lo comes tres días, te va a gustar siempre (risas). Para mí, hacer animación es lo mismo: un placer, algo que no puedo dejar de hacer. Aunque no me pidan trabajo, yo sigo haciendo mis animaciones y las subo a Internet. Mientras mi cuerpo se siga moviendo, seguiré trabajando.

Actualmente en la Ciudad de México hay un festival de animación contemporánea llamado Animasivo, ¿ha tenido la oportunidad de asistir? 
¡Sí, de hecho, el día que llegué a México lo fui a ver!

¿Qué le parece el nivel de animación o los temas que abarca en México?
Bueno, realmente sólo asistí al día de la premiación y recuerdo una animación sobre Oaxaca muy interesante que utilizó projection mapping. Hace 10 años recuerdo también una animación sobre el día de muertos dirigida por alguien de apellido Castillo (se refiere a Hasta los Huesos, de René Castillo) y me gustó mucho esa representación por medio de la animación. Solamente pude asistir un día al festival, pero presiento que con el futuro seguirá haciéndose más grande.

Para quienes inician en el camino de la animación, ¿qué palabras puede dirigirles para que continúen por ese camino?
Dentro de la elaboración de proyectos existen dos posibles caminos: trabajar para un título grande o tener un proyecto propio. Puedes formar parte de un gran equipo y adquirir conocimientos, o tener un proyecto propio y tener la satisfacción de decir “esta obra es mía”. Lo importante es decidirse o darse cuenta lo antes posible sobre qué es lo que realmente se desea. En mi caso, yo comencé trabajando para Tetsujin 28, que fue el primer y último titulo grande para el que trabajé, pues me di cuenta que no era lo mío (risas)

¿Qué opina de que el anime sea tan popular en otras partes del mundo, como México?
No siento que realmente la animación japonesa haya tenido como principal objetivo la expansión global, sino más bien creo que, incluso desde antes de los años sesenta, los escritores de manga estaban pensando en dejar algo para las generaciones futuras. Este sentimiento de herederale algo a la siguiente generación fue reproduciéndose hasta convertirse en lo que es hoy, ensañándole a los jóvenes japoneses lo que es interesante, siempre con una modificación o evolución que va caracterizando a cada generación.
Prof. Toshihiro Jinnouchi, Dir. Taku Furukawa
y Sr. Masaru Susaki (Fundación Japón en México)

Agradecemos las facilidades otorgadas por Fundación Japón en México para la realización de esta entrevista.